El mejor clásico contemporáneo en Bandcamp: mayo de 2023

La taxonomía de la música clásica contemporánea (música nueva, música contemporánea, como quiera llamarla) es un tema espinoso. Pero cada mes, echaremos un vistazo a la mejor música impulsada por compositores que aparece aquí en Bandcamp, aquella que deja espacio para la experimentación electrónica, la improvisación y las poderosas versiones de viejos clásicos.

La mayor parte de la música que he escuchado anteriormente de la compositora islandesa Anna Thorvaldsdottir ha brindado representaciones sublimes del mundo natural, no sólo el sonido, sino también la atmósfera física y la topografía. El rango dinámico ha permitido los sonidos más pequeños y frágiles, así como estruendos atronadores que parecen emanar del núcleo mismo de la Tierra. Al conjurar un determinado paisaje, profundiza simultáneamente en estados mentales inherentes, condiciones que podrían describirse acertadamente mediante fenómenos naturales.

Las dos obras orquestales recientes abordadas en este álbum por la Orquesta Sinfónica de Islandia, dirigida por Eva Ollikainen, magnifican la estética de Thorvaldsdottir, mientras Ollikainen despliega la enorme potencia de fuego de la orquesta para poner en mayor relieve el vocabulario de Thorvaldsdottir sobre lo frágil y delicado. Cuando se abre ARCHORA, de 20 minutos, hay violentos y masivos punteos de graves que sugieren ramas de árboles azotadas por un viento azotado por la lluvia, mientras que un magnífico grupo de cuerdas descendentes señalan un tipo más general de temor que se siente ciclónico. AIŌN, de tres movimientos, se aleja aún más del trabajo anterior, con una meditación abstracta sobre diferentes iteraciones del tiempo; la música alterna entre vistas micro y macro, como una especie de experiencia auditiva de realidad virtual. Los arreglos de Thorvaldsdottir abarcan las posibilidades físicas de una orquesta de una manera estimulante y aterradora al mismo tiempo.

El veterano experimentador Ben Vida pasó cuatro años desarrollando las cinco piezas de este fascinante trabajo con la pianista Laura Barger y el percusionista Russell Greenberg de Yarn/Wire de Nueva York, y los resultados tardan en hundir sus dientes en la conciencia. Esa lentitud tiene sentido considerando los detalles de los textos de Vida, que recita en una especie de canto incesantemente rítmico, aunque en constante cambio, junto con la vocalista Nina Dante. A primera vista, las voces parecen planas e impasibles, pero con el tiempo ganan resonancia, especialmente cuando uno comienza a descubrir el fraseo en constante cambio y el juego rítmico. Al final, las actuaciones de Vida y Dante son claramente virtuosas.

El significado de los textos parece intencionalmente confuso, con fragmentos de comprensión que emergen con el tiempo o ciertas frases se destacan y tienen un impacto difícil de alcanzar. Con la misma paciencia se revela el paisaje sonoro minimalista de Yarn/Wire, con nuevos detalles que rezuman de los patrones cíclicos de piano y vibráfono, compás a compás. Hay armonías vocales sin palabras flotando en la distancia en “Who's Haunting Who Here?” La constante nota de piano para la mano izquierda en “Drawn Evening” asume un papel direccional, fundamentando un paisaje sonoro espacioso y de movimiento lento que abre el tramo más delicado y árido del álbum, incluso cuando se desvanece profundamente en la mezcla y su ritmo es pasado a un platillo. Beat My Head Hit no se parece a nada que haya escuchado en mucho tiempo, y si lo que he escuchado hasta ahora es una indicación, tiene muchos más secretos que revelar en el futuro.

Este sorprendente doble CD recopila dos interpretaciones, grabadas en 2006 en París y 2020 en Los Ángeles, de Naldjorlak por el violonchelista Charles Curtis, quien colaboró ​​en esta pieza con la singular compositora francesa Éliane Radigue en 2005. Después de pasar décadas creando música electrónica, este Epic se convirtió en su primera composición para instrumentación acústica. El dúo construyó la música en torno al “tono de lobo” del violonchelo, cuando un tono particular activa las frecuencias resonantes del cuerpo de madera del instrumento, volviéndose tremendamente inestable y desatando todo tipo de sonidos que la música occidental convencional ha tratado de desterrar porque los considera impuro y que distrae. En lugar de evitar este notable efecto sonoro, Curtis y Radigue desarrollaron una pieza completa que explora el tono del lobo en todo el rango del instrumento, afinando tres de las cuerdas del instrumento en esta área de tono, mientras ajustan la cuarta para proyectar esas frecuencias volátiles en el Cordal de metal para violonchelo.

A medida que Curtis avanza, nuestros oídos gravitan hacia los sonidos inclinados, a menudo trémulos, que él lucha contra la ciencia para mantener. En algún momento comenzamos a escuchar los efectos del tono del lobo: retumbos amorfos; sonidos giratorios, parecidos a silbidos; nerviosismo turbulento que parece tridimensional; y más. Más allá de las líneas de arco reales, Curtis abre un verdadero universo de sonido y movimiento, una demostración emocionantemente inestable de fenómenos acústicos que captura la interpretación musical en su forma más emocionante, impredecible y peligrosa. Catorce años separan las dos cuentas, pero la pieza nunca puede sonar igual dos veces. Curtis está aprovechando más que nunca.

A veces me maravilla que una compositora como Emilie Cecilia LeBel esté lanzando un álbum de retratos recién ahora, una década después de una carrera prolífica. Field Studies es un golpe de gracia silencioso; demuestra que LeBel ha llegado a este punto con una estética segura y apasionante, marcada por una paciencia contemplativa y frecuentemente socavada por un hilo de incertidumbre emocional.

“Evaporation, blue” es una obra de asombrosa delicadeza, con la pianista Cheryl Duvall trazando acordes de teclado elegantes, elípticos y austeros, impregnados de una decadencia lenta mientras dobla la armónica, soplando tonos rústicamente contrastantes. Se escribieron varias piezas para el conjunto de Edmonton UltraViolet, un cuarteto que muestra una asombrosa sensibilidad por las ideas de LeBel, como en la interpretación de "...y las hojas más altas de los árboles parecían brillar con el último toque persistente de la luz del sol". Una gracia pastoral se desvía hacia el colapso con una tensa colisión de punzantes saxofones y flautas; contundentes acordes de piano para zurdos; y un estruendo de percusión hábilmente mejorado por el uso de parlantes transductores por parte del compositor para generar resonancia simpática. La vocalista Jane Berry (FEMME Vocal Quartet) inyecta un esplendor melódico mesurado en el brillo tenso que genera el conjunto en “drift”, mientras que la violinista Ilana Waniuk produce una impresionante variedad de sonidos y texturas en “further migración (migration no. 1)”, un festín. de raspaduras, silbidos y gemidos microtonales.

Esta importante colección, distribuida en tres LP, intenta descorrer el velo de oscuridad que oculta la potente música electrónica de la compositora francesa Nicole Lachartre, quien solo publicó una pequeña pieza musical durante su vida (n. 1934-1991). Al principio de su carrera estudió con Darius Milhaud, Jean Rivier y André Jolivet. Compuso una gran cantidad de obras para instrumentación acústica, pero una pasantía con Pierre Schaeffer en el Groupe de Recherches Musicales de l'ortf (GRM) en 1967 transformó rápidamente su práctica, dando lugar a las 10 piezas ampliadas que se presentan aquí.

Como señalan las notas de Vincent de Roguin y Mark Harwood, su trabajo evitó la ortodoxia estilística de su tiempo. Por lo general, evitaba ensamblajes fluidos y muy editados en favor de algo mucho más visceral, que mezclaba música concreta y sonidos puramente electrónicos según lo que requiriera la pieza. Esas mismas notas discuten el sexismo incuestionable que impidió que la música de Larchartre fuera publicada o preservada durante las décadas siguientes, por lo que deberíamos estar agradecidos por esta invaluable excavación. Estas piezas, incluida “Onirique”, su primera pieza electroacústica, realizada en el estudio Apsome de Pierre Henry en París y en la que chocan agresivamente manipulaciones de percusión dentro del piano, voz y tonos electrónicos incómodos, son uniformemente densas, a menudo llenas de ruido y disonante y consistentemente evocador.

Partiendo de algunos programas de conciertos organizados por el grupo checo de música experimental Opening Performance Orchestra hace unos años, este impresionante CD doble arroja una amplia red sobre el atractivo (y la confusión) duraderos del movimiento artístico Fluxus. Un elenco impresionante de músicos experimentales, entre ellos la violonchelista Deborah Walker, la pianista Agnese Toniutti y la vocalista Anna Clementi, se reunieron para participar en nuevas obras de la considerable y aún en expansión obra de Fluxus, con gente como Eric Andersen y Milan Kní​z. á​k incluso componiendo algunas piezas nuevas.

Sabiamente, el proyecto no hace ningún esfuerzo por imaginar algún marco de obras esenciales (una presunción jerárquica totalmente opuesta al espíritu de Fluxus), sino que examina obras de muchos nombres que a menudo se pasan por alto en las reseñas del movimiento. Naturalmente, hay piezas claramente definidas en su conceptualidad o absurdo, como el “papel” que toca Luciano Chessa en “Paper Piece” de Ben Patterson, o las botellas llenas de diversas formas que Werner Durand controla en una interpretación de “Triad No.1” de Bengt af Klintberg. ”que evocan la práctica convencional orientada a procesos de gran parte del trabajo de Fluxus. Pero algunas de las otras obras funcionan bien como esfuerzos puramente musicales, como el collage de temas clásicos en la pieza de Kn​í​z​á​k de 1973 “DKH Quartet”, escuchada en un extracto de Arditti Quartet. El conjunto incluye un fascinante folleto de 72 páginas, repleto de escritos sobre el legado de Fluxus. Sub Rosa publicará un segundo volumen en 2 CD el próximo año.

Hay un montón de detalles fascinantes detrás de la música de esta nueva colección de obras del compositor de Oakland Brian Baumbusch, pocos más notables que el hecho de que la mayoría de las piezas cuentan con una orquesta tipo gamelán llamada “Lightbulb Instruments” diseñada y construida por él. El ensayo de Oscar Smith profundiza en los ciclos rítmicos y la afinación involucrados en las composiciones con extremo detalle, trazando el compromiso del compositor con diferentes sistemas de afinación y etnografía de una manera que subestima la impresionante belleza y la imaginación de la música misma.

La obra de apertura “Prisms for Gene Davis” es una maravilla de nueve movimientos interpretada por Nata Swara, un joven conjunto balinés que, más o menos, está formado por ex alumnos y miembros del conjunto de Dewa Alit y su Gamelan Salukat, quizás los mejores exponentes de Música gamelán contemporánea. Baumbusch envió la segunda versión de este “Lightbulb Instruments” denominado “Gen 2” como regalo al conjunto, y aprendieron y grabaron la pieza en casa. No sé lo suficiente sobre gamelán para señalar detalles sobre cómo se aparta de la tradición, pero los intensos polirritmos son decididamente modernos. Baumbusch ha desarrollado su propio sistema hipercomplejo llamado politempo, en el que los músicos tienen que navegar por la misma obra en patrones de tiempo completamente diferentes. Los miembros de JACK Quartet escucharon pistas de clic para mantenerse sincronizadas en el armónicamente psicodélico “Three Elements for String Quartet”. En la pieza más antigua del álbum, “Hydrogen(2)Oxygen”, los dos conjuntos se combinan con escrituras que exponen y moderan las intensas diferencias en sus mundos armónicos.

El compositor lituano Žibuoklė Martinaitytė evoca sorprendentemente la región titular del mar en esta meditación oscura y melancólica que rastrea las profundidades más remotas de los océanos a través del sonido. La obra flota y se mueve, y sus detalles estructurales emergen con el tiempo, de la misma manera que nuestros ojos se adaptan a lo que podría parecer una oscuridad total y pronto notan una definición clara. La música es interpretada por Synaesthesis, un conjunto de cámara lituano de timbre inusual (clarinete bajo, violonchelo, piano, contrabajo y tuba) junto con un banco de muestras difusas del grupo coral Volti cantando principalmente sonidos vocálicos, así como tuba adicional. sonidos de contrabajo y clarinete bajo.

El paisaje sonoro que producen juntos es apropiadamente sepulcral, pero Martinaitytė logra evitar que Hadal Zone se vuelva plomizo o denso. Las muestras vocales, por supuesto, suenan humanas, pero el canto proporciona más a menudo una textura o color que una melodía, incluso cuando hay una presencia latente en la sección “Epipelágica”, comparativamente ligera, el nivel más alto del mar. Los instrumentos individuales salen regularmente del tamborileo para articular algo más definido y emocional, pero en última instancia el trabajo se centra en las cualidades más monolíticas. Ha creado un perfil sonoro que coincide con la implacable oscuridad de las profundidades del mar, y si somos pacientes con nuestros sentidos, los variados detalles comienzan a filtrarse.

Kate Gentile es quizás mejor conocida como baterista en el extremo más experimental del espectro de la música improvisada de Nueva York, donde dirigió sus propios combos y trabajó en estrecha colaboración con el pianista Matt Mitchell, quien comparte su habilidad para escribir complejas y serpenteantes, durante más de un siglo. década. Sin embargo, al mismo tiempo se ha convertido en una compositora segura de música tremendamente rigurosa. Esta nueva suite, interpretada con el International Contemporary Ensemble, representa el conjunto de música más refinado y exigente que ha creado hasta el momento, una obra de 13 partes de imaginación meticulosa y ritmos salvajemente galopantes. Gentile hace todo lo posible y nombra cada pieza con palabras inventadas para su placer fonético y visual, cada una de las cuales evoca constantemente la ciencia ficción, como “vlimb” y “shorm”. Después de grabar el bioma ii, regresó retroactivamente y desarrolló significados para todo el vocabulario nuevo.

Ese febril y abarcador sentido de creatividad ciertamente se puede extraer de la música real: piezas de cámara hiperactivas interpretadas por un elenco magnífico que domina tanto la música escrita como la improvisación, impulsados ​​por el virtuoso kit de Gentile. Es difícil no escuchar la influencia del saxofonista Tim Berne en sus patrones laberínticos, con zig-zags al unísono vertiginosos y ricos en detalles y explosiones estructurales repentinas, pero los reinventa por completo a fuerza de timbre, ritmo y sentido de escala. Si bien hay una clara sensibilidad al rock progresivo en el trabajo, hay tanta energía efervescente y alegría en las actuaciones que nunca parece indulgente, especialmente cuando músicos como el pianista Cory Smythe, la violinista Jennifer Curtis y la fagotista Rebekah Heller obtienen inspiración del aire. en solos de patatas calientes.

Cuando estaba en la universidad a mediados de los 80, era un gran admirador de JG Thirlwell, el raro australiano que fusionaba el post-punk y la música industrial con el rock 'n' roll de manera sui generis, creando música de incesante energía e inquietud. bajo disfraces como Feto, Wiseblood y Clint Ruin. Dejé de prestarle mucha atención a esa obra hace mucho tiempo, pero sabía que se había convertido en un sólido valedor de la escena clásica contemporánea de Nueva York. Demuestra que es mucho más que un fan con Dystonia, un trabajo de cuerda tremendamente visceral y contundente interpretado aquí con la típica precisión y furia del Mivos Quartet. Hay una agresión que no sorprende dado el pasado musical de Thirlwell, aunque con claros destellos de Bartok y Shostakovich saliendo del ataque a menudo implacable, pero esto no es obra de un hack. Hay detalles notables y un contrapunto vigorizante que cruje a lo largo de los cinco movimientos.

En el corto “Fibrostitis”, una de las secciones más mesuradas y una de varias que llevan nombres de trastornos musculares y nerviosos, Thirlwell presenta emocionantes rasguños táctiles y marañas de sonidos, bajo los cuales emerge un pulso palpitante, casi percusivo, parecido a un corazón, pero la mayoría de las secciones son explosivas. A esa relativa calma le siguen las líneas violentamente cortantes de “Ozymandias”, que subrayan lo intenso que puede ser un cuarteto de cuerda, especialmente cuando está funcionando a toda máquina. Mivos ha estado en la cima de sus poderes con la integración total de la violinista Maya Bennardo y el violonchelista TJ Borden. Resaltan el peligro y la vitalidad de los escritos de Thirlwell.